"El temps ens fa ximples", va dir el matemàtic Eric Bell. És una cita que probablement heu fet algunes vegades, normalment quan algú es lamenta de la pèrdua dels bons temps o d’algunes circumstàncies actuals. És una dita depriment que es fa encara més tràgica per la veracitat que sovint demostra ser. Els aficionats al cinema ho saben bé. Sovint, recordem que algunes pel·lícules més antigues de la nostra joventut eren fantàstiques o sentim parlar d’una pel·lícula més antiga que s’ha considerat un clàssic, i ens sentim decebuts quan ho comprovem ara mateix i descobrim que no ha sobreviscut a la prova del temps.
La part d’aquesta cita que tendeix a retallar-se és “La nostra única comoditat és que ens vindrà més gran”. De vegades és temptador defensar les pel·lícules clàssiques al llarg dels anys com a exemples impecables d’allò que les pel·lícules són capaços al màxim. Els posem en un pedestal tan alt que estem destinats a mirar-los per sempre, sense arribar mai a les seves altures increïblement elevades. La veritat és que el temps pot fer ximple fins i tot de les millors pel·lícules (per no parlar de superproduccions més modernes). En lloc d’ignorar-ho, potser és millor recordar que obre el camí a les coses més grans que vindran.
Aquí teniu la versió de Screen Rant sobre les 15 pel·lícules clàssiques que han tingut una mala edat.
15 carrers mitjans (1973)
L'estimat crític de cinema Roger Ebert es va referir una vegada a Mean Streets com "un dels punts font de les pel·lícules modernes". Tanmateix, molts fans simplement opten per recordar-la com la primera veritable pel·lícula de Martin Scorsese. Tot i que això no és precís cronològicament, sí que és espiritual. Aquesta és la pel·lícula que va establir l’amor de Scorsese pel llenguatge cru (va establir un rècord per a la majoria d’usos de la paraula F), retrats realistes de delictes a la ciutat i l’ús de música amb llicència per ambientar. És un estil que Scorcese i molts altres directors van anar imitant i perfeccionant al llarg dels anys.
Això és part del problema amb Mean Streets. Es tracta d’un esborrany que seria editat per molts grans visionaris (sobretot el mateix Scorsese) fins que es va convertir en una obra mestra atemporal en pel·lícules com Goodfellas. Hi ha casos encantadors de cinema amateur a Mean Streets (escenes de lluita que no se senten coreografiades), però bona part de la pel·lícula se sent descuidada i no crua. Taxi Driver, una pel·lícula de Scorsese estrenada només tres anys després de Mean Streets, no ha perdut res del seu mos amb el pas del temps. És difícil dir el mateix per a aquesta pel·lícula que una vegada va ser fàcil d’elogiar per ser un altre tipus de pel·lícula policíaca.
14 Els ocells (1963)
La gran majoria de les pel·lícules clàssiques de Hitchcock han envellit increïblement bé. En realitat, fa una mica de por que pel·lícules com Rear Window, Vertigo i North By Northwest encara tinguin pocs equipaments cinematogràfics moderns. El millor de les millors pel·lícules de Hitchcock és que tenen una manera d’immergir-se completament en els seus mons. Hitchcock utilitzava la seva càmera com un pinzell de pintor per detallar acuradament cada centímetre de cada quadre. Aquest nivell de control el va ajudar a convertir-se en "El mestre del suspens".
Poques d’aquestes qualitats atemporals apareixen a The Birds. Hi ha alguns moments de bellesa cinematogràfica a The Birds, però aquest és Hitchcock, el seu més poc inspirador (que no és tan insult com el que estàs pensant). Gran part dels elogis inicials que va rebre aquesta pel·lícula van tenir a veure amb els efectes especials de la pel·lícula. Ara que aquests efectes estan tan obsolets, es fa molt més difícil adquirir realment la premissa completa de les "aus que comencen a atacar les persones". Tenint en compte la quantitat de quilòmetres que intenta treure la pel·lícula d’aquesta premissa, aquest és un problema. Pel que fa a l’eficàcia a llarg termini, això no té res a veure amb l’esforç previ de gènere de Hitchcock, Psycho.
13 Esmorzar a Tiffany (1961)
És prou fàcil veure el que la gent va veure a Breakfast At Tiffany's quan es va estrenar el 1961. Va ser una adaptació d'una novel·la d'èxit, va protagonitzar la incomparable Audrey Hepburn en un paper emblemàtic i la pel·lícula està rodada increïblement bé (és el millor la direcció d’art Oscar és ben merescuda). Va ser una comèdia romàntica amb l’esperit de pel·lícules clàssiques com It Happened One Night, però amb la rellevància moderna suficient per donar-li un avantatge. Mireu la pel·lícula ara, però, i probablement us centrareu en algunes coses que el públic d’aleshores no va fer.
El més notable entre aquestes revelacions modernes és el paper horriblement racista del senyor Yunioshi, interpretat per Mickey Rooney. És una anomalia cinematogràfica, ja que és un retrat tan obertament racista que gairebé transcendeix el racisme. Mirant més enllà d’aquests elements clarament datats, encara teniu una pel·lícula que no troba el seu punt. L'esmorzar de Truman Capote a Tiffany's explicava la desgarradora història d'una jove que intentava trobar el seu camí en una ciutat difícil. El pecat més gran de la pel·lícula és que va "Hollywooditzar" tants dels elements originals de la història d'una manera que el públic modern sovint demonitza els estudis.
12 Saturday Night Fever (1977)
"Però Saturday Fever és una instantània dels anys 70" potser estareu dient. Si és així, segur que no s’equivoca. La pel·lícula de John Badham de 1977 sobre un noi de Brooklyn anomenat Tony només intentant passar-ho bé i potser trobar una mica de fama, ja que el millor ballarí del seu racó del món sens dubte capta l’esperit dels anys 70. La moda de la pel·lícula sol ser la que pensa molta gent quan intenta imaginar la joventut d’aquest període. És una banda sonora que sempre va immortalitzar els Bee Gees i altres llegendes de la discoteca, les escenes de ball són fantàstiques, l’ambient és animat i la direcció és força puntual.
La raó per la qual data de Saturday Night Fever no té res a veure amb la música ni la moda i té tot a veure amb els personatges. Tony és descrit amb més generositat com un cap de pell. Té una ment única que normalment el porta a provar de tenir el màxim de relacions sexuals possibles o, en cas contrari, a plantejar un infern innecessari. En aquesta era de l’epidèmia prèvia al SIDA, potser hauria estat més fàcil d’empassar, però les promiscues aventures masculines alfa de Tony i el seu grup d’amics amb la cap buida i buscadors d’emocions són dignes d’avui dia. L'intent de violació de Tony de Stephanie després d'un concurs de ball és probable que sigui el moment en què els espectadors moderns simplement trien passar a una altra cosa.
11 Testimonis per a la Fiscalia (1957)
Witness For The Prosecution sens dubte no va ser la primera pel·lícula dramàtica de la sala, però és fàcil rastrejar el gènere tal i com el coneixem ara fins a les influències d’aquesta pel·lícula. És la història d’un home acusat d’homicidi malgrat les fortes proves circumstancials del cas. Les coses arriben a un punt en què tant la fiscalia com la defensa s’adonen que tot el cas pot dependre del testimoni de la dona de l’acusat. La resta de la història es desenvolupa a través d’una sèrie de girs i revoltes, del tipus que tan comunament relacionem amb aquestes epopeies de la sala judicial.
Ja que, tan innovador com va ser la pel·lícula en aquest sentit, també revela la seva edat en com es desenvolupen aquests moments. Els esdeveniments del judici estan destinats a sorprendre i sorprendre els espectadors, però gran part del xoc s’ha anat diluint al llarg dels anys per la naturalesa vainilla del cas. Tenint en compte algunes de les tragèdies que escoltem diàriament, l’assassinat d’una dona gran i rica amb prou feines es registra. Sens dubte, no ajuda que alguns dels moments més importants de la pel·lícula es transmetin de manera increïble. De fet, el crit de Marlene Dietrich de "Damn You!" és allà dalt amb el "No!" de Darth Vader en termes de lliuraments dramàtics es van tornar còmics. Esperem que el proper remake (possiblement dirigit per Ben Affleck) tingui més pes en els propers anys.
10 rebels sense causa (1955)
En un moment en què els nord-americans tot just començaven a prendre consciència del concepte que els adolescents eren el seu propi grup d’adolescents, Rebel Without A Cause va aparèixer i va intentar apel·lar a aquesta florent demografia. Aquesta va ser la pel·lícula que prometia donar llum a aquesta generació incompresa. A causa d'això, va atreure la mateixa quantitat de controvèrsies i reconeixements. Nacions senceres temien el seu poder per incitar a la rebel·lió dels adolescents. D’altres simplement l’han aclamat com una revolució.
Actualment, és molt més fàcil tractar la pel·lícula com una paròdia dels seus temps. De fet, hi ha molts aspectes d’aquesta pel·lícula que s’han acabat parodiant. Les bandes exagerades (en aquest cas estem a un número de ball de West Side Story), l’actuació exagerada ("You're tearing me!" De James Dean va ser la inspiració per al lliurament de The Room de la mateixa línia), i l’ús prolífic d’actors més grans que interpreten a adolescents són dignes d’un rotllo sòlid. Gairebé tot en aquesta pel·lícula va ser dissenyat per generar una reacció emocional per part del públic de l'època. Ara és més probable que aquesta comèdia involuntària generi rialles.
9 True Grit (1969)
True Grit es troba en un lloc estrany, històricament parlant. Es va estrenar el 1969, tres anys després de The Good, The Bad, and The Ugly i el mateix any que Butch Cassidy and the Sundance Kid. En resum, va sortir en un moment en què la pel·lícula occidental començava a ser una mica més grinyolosa. Malgrat el seu nom, True Grit no intenta aprofitar aquest nou estil emergent. És un tipus clàssic de western llançat en un moment en què el gènere estava madurant.
Això és part de la raó per la qual la pel·lícula és una mica més difícil de prendre en aquests dies. No té l’encant innocent sense filtrar dels primers occidentals, i també li falta la foscor maduresa d’alguns dels seus contemporanis. La manera en què la pel·lícula presenta John Wayne amb la seva vella escola també esdevé un problema. La seva actuació és sens dubte magnètica, però costa a gairebé tots els altres. A diferència de la versió de la pel·lícula del germà Coen, que retrata els herois secundaris com a iguals, la versió de 1969 és clarament l'espectacle de John Wayne. És una mentalitat d’home principal obsoleta que fa que certs papers secundaris (en particular La Boeuf de Glen Campbell) siguin gairebé insuportables.
8 Un assumpte per recordar (1957)
Un assumpte per recordar comença amb una premissa relativament senzilla. Nickie Ferrante (Cary Grant) travessa Terry McKay (Deborah Kerr) per qüestió de casualitat. Tots dos estan en relació, però clarament se senten atrets els uns pels altres. Com a tals, accepten tornar a reunir-se d'aquí a sis mesos a l'Empire State Building per veure on es troben a la vida. En un gir impactant dels esdeveniments, Terry és atropellat per un cotxe en ruta cap a l'Empire State Building. Com a tal, no fa la reunió i no té previst tornar a reunir-se amb Nickie.
Aquí és on comença la pel·lícula. An Affair to Remember és en realitat un remake d’una pel·lícula del 1939 anomenada Love Affair, que es fa evident a mesura que es comença a suportar una sèrie de línies romàntiques cursives com ara: “L’hivern ha de ser fred per a aquells que no tenen records càlids” i “Si ho hagués tingut per passar a un de nosaltres, per què no podia haver estat jo? ” Aquest nivell extrem de dolència resta importància a una premissa que ja es trobava en un terreny inestable amb el text "Pot un home estimar de debò una dona en cadira de rodes?" parcel · la.
7 El so de la música (1965)
Existeix una qualificació G dura? Si és així, The Sound of Music ho guanya. En primer lloc, tinguem clar que els musicals innocents d’altres temps no envelleixen automàticament malament. Mary Poppins, per exemple, és una pel·lícula familiar molt intel·ligent i ben feta. Singin 'in the Rain també és una pel·lícula especialment brillant sobre un moment de transició en la producció de pel·lícules que, de fet, és un musical. El so de la música, però, és un musical pel fet de ser un musical.
Pel que fa a la producció, els impressionants plans del camp que es mostren sempre quan es ressalta la pel·lícula encara són impressionants. El que no sol mostrar-se en aquests rodets destacats, però, són les gairebé tres hores de ritme sense propòsit i números musicals allargats dissenyats per atraure només els cantants. La pel·lícula és un producte del seu temps, en el sentit que es presenta com un gloriós homenatge al gènere musical d’acció en directe molt popular. Això va funcionar bastant bé per al públic el 1965, però el 2016 aquells que vulguin veure un gran musical de Hollywood trobaran moltes alternatives que tenen un propòsit molt més narratiu. Les millors parts d’aquest es poden escoltar a la banda sonora oficial.
6 El naixement d'una nació (1915)
Hi ha dos punts de vista diferents quan es tracta de El naixement d’una nació de DW Griffith. La primera és que la pel·lícula és sens dubte la pel·lícula més important de la història de la producció cinematogràfica. Qualsevol que hagi participat en una classe d’escola de cinema ha sentit aquesta perspectiva. Per a una pel·lícula feta el 1915, El naixement d’una nació gairebé sembla que s’hauria pogut rodar en els darrers deu anys. L’altre punt de vista identifica adequadament aquesta pel·lícula com una de les pel·lícules més obertament racistes mai realitzades. Probablement això té alguna cosa a veure amb el fet que retrata el Ku Klux Klan com herois gairebé no contaminats.
A mesura que passa el temps, la controvèrsia comença a superar en gran mesura el rastre cinematogràfic del film. No és fàcil veure Naixement d’una nació i superar els elements socials més antics. És un obstacle que no es fa molt més fàcil d’aclarir quan us adoneu que aquesta pel·lícula va generar un interès renovat per la pertinença a KKK i que originalment es va titular The Clansman. L’ús prolífic de la cara negra a la pel·lícula és només l’últim clau del fèretre.
5 Easy Rider (1969)
No es pot exagerar l’impacte que Easy Rider va tenir en el cinema americà. És legítimament reconeguda com la pel·lícula que va ajudar a iniciar el que normalment es coneix com l’era de New Hollywood. Aquesta època es caracteritza per la voluntat dels estudis de deixar que els directors nord-americans assumeixin un paper d’autor i tinguin el control creatiu de les seves pròpies pel·lícules. Socialment, la pel·lícula parlava amb una generació d’americans que vivien enmig d’un clima cultural canviant. Va abraçar l'atractiu de la carretera oberta mentre abordava els horrors de certes normes culturals.
El fet que una pel·lícula sigui important no vol dir que necessàriament hagi envellit bé, és clar. Hi ha problemes amb aquesta pel·lícula des d’una perspectiva tècnica (sobretot relacionada amb l’estructura de la història), però el problema real és el missatge d’Easy Rider. Els seus temes de contracultura van ressonar fàcilment amb una generació passada que tan rarament parlaven les pel·lícules, però les aventures de Wyatt i Billy probablement seran egoistes i superficials quan es vegin amb llum moderna. Aquesta pel·lícula va parlar una vegada amb la gent. Ara els crida amb una retòrica cansada.
4 Bonnie i Clyde (1967)
Per ser justos, hi va haver un bon nombre de persones que no estaven massa bojes per Bonnie i Clyde quan es va publicar. Els que no els agradava la pel·lícula solen citar la seva violència i contingut sexual com a motiu del seu descontentament. Aquesta va ser una de les primeres estrenes importants de la història del cinema nord-americà en sensacionalitzar la violència realment en no defugir-la de mostrar-la completament. Els squibs es van utilitzar de manera força liberal per a efectes de trets. Tampoc no tenia cap mena de dubte a interpretar la relació altament sexual entre els seus personatges principals. Al final, però, la pel·lícula es va reconèixer com un llançament històricament significatiu que va canviar la manera com les pel·lícules americanes retraten la violència.
Des de llavors, han aparegut una gran quantitat de pel·lícules que fan que la violència de Bonnie i Clyde sembli una caricatura de dissabte al matí. Seria gairebé impossible que tothom que hagi vist pel·lícules dels darrers 20-30 anys mirar Bonnie i Clyde i sentir-se impactat per qualsevol cosa que hagin vist. Sense la mateixa reacció emocional que va generar la pel·lícula, Bonnie i Clyde esdevenen molt més notables per la seva presentació sovint extravagant i els seus descuidats relats. Es tracta d’una pel·lícula d’entrada molt divertida, però no d’una pel·lícula que seria un premi estimat segons els estàndards actuals (va ser nominada als 10 Oscars molt enrere quan).
3 The Towering Inferno (1974)
En el moment del llançament, The Towering Inferno era una bona idea per a una pel·lícula cinematogràfica important. Seguint els passos de The Poseidon Adventure, aquesta pel·lícula va agrupar tantes estrelles com l’estudi es podria permetre en un edifici que s’ha cremat i que s’està desfent ràpidament. Va ser una pel·lícula de desastres abans que aquest títol s’apliqués necessàriament al gènere i el seu poder estrella i l’espectacle atreien el públic. En realitat, és un precursor de la superproducció moderna d’aquesta manera.
Hi ha hagut moltes superproduccions al llarg dels anys que no han envellit bé, però The Towering Inferno destaca per un parell de maneres. En primer lloc, mentre que Paul Newman i Steve McQueen sempre són els principals atractius, el poder estrella de la pel·lícula no transcendirà les generacions tret que sempre hagueu volgut veure Fred Astaire i OJ Simpson a la mateixa pel·lícula. Avió! La dissecció experta de tot aquest subgènere tampoc no va fer cap favor als moments dramàtics d'aquesta pel·lícula. Només es poden agafar tants petons finals "Per si no et torno a veure" i "Fes-te dona!" moments abans d’adonar-se que certament va ser el producte d’una època diferent.
2 sopa d'ànec (1933)
Potser penseu que les pel·lícules dels anys 20 i 30 són senzilles. Quantes coses envelleixen realment després de gairebé 100 anys? Realment hi ha força pel·lícules d’aquella època que encara són rellevants en l’actualitat. Les obres de Charlie Chaplin, per exemple, són notables pel seu humor i sorprenent profunditat emocional. No es pot dir fàcilment el mateix sobre Els germans Marx. Harpo, Groucho, Gummo i Zeppo Marx eren un grup còmic que va ser el brindis del cinema inicial. Tot i que tenien moltes pel·lícules populars, poques han esdevingut tan significatives com Duck Soup de 1933.
Veure Duck Soup ara és aproximadament l’equivalent a veure un humorista de peu llançar broma rere broma al públic. Una parella pot aterrar, però és més una qüestió de gran volum que d’humor fi. Certament, aquest estil està datat per si sol i Duck Soup no ajuda la seva pròpia causa en centrar-se en l’humor polític. Moltes de les referències de la pel·lícula no només sobrepassaran l’espectador modern mitjà, sinó que significa que fins i tot els millors acudits es troben com aquells vells dibuixos polítics on l’acudit està clarament etiquetat, per evitar possibles confusions.
1 Va amb el vent (1939)
Gone With The Wind és tan sinònim de pel·lícules clàssiques que s’acosta a l’estat de meme. Per exemple, si mengeu un bon hot dog, podríeu dir "Això va acabar amb el vent dels hot dogs". (Bé, potser.) És una epopeia cinematogràfica en el veritable sentit de la paraula. Aquesta pel·lícula, que abasta diverses ubicacions elaborades i es presenta amb un color gloriós, va tenir un impactant 3,85 milions de dòlars (aproximadament 66 milions de dòlars avui) i gairebé tots els dòlars d’aquest pressupost apareixen a la pantalla. Va establir un estàndard de producció que no s’igualaria en els propers anys.
També està bastant obsolet en molts aspectes. Des del punt de vista cinematogràfic, les escenes traçades i la representació excessivament dramàtica ja no són tan digeribles com abans. També teniu diversos moments desafortunats de missatges polítics cap enrere. S’ha acabat amb la interpretació de l’esclavitud i del “Vell Sud” en general, sovint, amb un dolorós romanticisme. També hi ha l'assumpte de l'escena que implica Rhett forçant-se a Scarlett per donar aquí "el que li ve". Hi havia una vegada que passava com un romanç cinematogràfic, però ara es coneix més com a violació. L'explicació de Rhett que les seves accions estaven justificades perquè en tenia massa per beure, certament, no alleuja el problema.
---
Quins altres clàssics cinematogràfics creus que han envellit malament? Feu-nos-ho saber als comentaris.